„Die Wahrheit liegt auf dem Platz” zitierte Lutz Hübner einmal Otto Rehagel, als ich ihn nach seinem Verhältnis zum Publikum fragte. Soll für den Dramatiker heißen: Das beste Stück hat sein Ziel verfehlt, wenn die Leute es nicht sehen wollen. Für keine andere Kunst ist das Publikum so wichtig wie für die Bühne. Literatur lebt vom einsamen Rückzug des Lesers; auch ein Gemälde verlangt nicht nach einem Saal von Betrachtern zur gleichen Zeit, selbst einen Film kann man sich (zur Not) allein auf der Couch anschauen, ohne dass den Film das tangierte. Theater aber findet ohne Publikum schlicht nicht statt. Und: Ein Bühnenkunstwerk verändert sich mit dem Publikum. Nicht das Was, aber das Wie des Geschehens ist beeinflussbar von der Reaktion der Zuschauer – jeder Schauspieler kann ein Lied davon singen, wie sich die Präsenz einer schweigenden Wand oder lachenden Menge auf die Stimmung auswirkt, wie eine konzentrierte oder gelangweilte Audienz. Die Wahrheit, sie liegt fürs Theater also im Parkett.

Dort sitzt „das Publikum“ – und das Wort klingt, als handle es sich um eine homogene Masse. Dabei kann diese Zwangsgemeinschaft eines Abends leicht vom Einzelnen sabotiert werden: Ein Hüsteln an einer heiklen Stelle, ja, ein einziger unzufriedener Zuschauer kann mit Buh-Rufen im Schlussapplaus die Stimmung kippen lassen. Theater, das ist eben auch Dialog zwischen Künstler und Zuschauer – wenn der eine am anderen vorbei redet, fällt die Kunst in den Graben.

Was für eine Macht sie haben, diese Menschen im Zuschauerraum! Und doch, es ist paradox: Das Publikum ist zwar die wichtigste Instanz, gleichzeitig hat sie aber nichts zu melden. Nirgendwo, so scheint es, ist das Verhältnis zwischen Kunstbetrieb und Rezipient so ambivalent wie im Theater. Wie im deutschen Theater, muss man wohl hinzufügen. In keinem anderen Land kann es sich der Bühnenbetrieb erlauben, seinen avantgardistischen Kunstanspruch noch immer so zu behaupten wie in der (trotz aller Sparzwänge) gut subventionierten deutschen Theaterlandschaft. Ist das nun Bevormundung des Publikums? Oder unerlässliche ästhetische Erziehung? Wie auch immer man es finden mag, man braucht diese Errungenschaft nicht so unbedacht abzusetzen, wie sich das die Autoren des „Kulturinfarkts“ wünschen. Oder ist wichtige, bahnbrechende Kunst jemals aus demokratischen Entscheidungen hervorgegangen?

Meine Eindrücke von Theaterbesuchen im Ausland kann man zwar nur oberflächlich nennen: In London kürzlich fiel mir der leicht konsumierbare Fernsehrealismus auf, in Russland die schwergewichtige Tradition. Klischees natürlich, über die es bei kurzen Reisen kaum je hinausgeht. Trotzdem: Die Freiheit zum Experimentieren scheint doch am meisten im deutschen Theater zuhause – gerade weil es nicht zu hundert Prozent von verkauften Eintrittskarten abhängig ist. Einerseits.

Anderthalb Stunden polnische Dankesreden vom Intendanten und von Kulturpolitikern aus Anlass der Wiedereröffnung des Kurtheaters in Jelenia Góra und des 35-jährigen Bestehens des Animationstheaters – und ich verstehe kein Wort, schaue nur dem selig lächelnden, mit einer riesigen roten Fliege geschmückten Leiter Bogdan Nauka am Rednerpult zu. Oder ich lasse mich beim Blick zur Decke hypnotisieren: Da drehen tatsächlich grüne und violette Schneeflocken-Projektionen zur Feier des Tages ihre Kreise. Geradezu psychedelisch… Im Anschluss bitte ich die Übersetzerin Steffi Kutz um eine kleine Zusammenfassung der Reden, sie winkt freundlich ab: Die charmante Hilflosigkeit des Intendanten, als er seine Powerpoint-Präsentation nicht zu bedienen wusste, seine lockere Improvisation stattdessen, die alle Staatsgäste ganz selbstverständlich akzeptierten – das sage eigentlich mehr über die hiesige Kultur als alle Gratulationen. Auch die Foto-Show erklärt sich von selbst: Bisher war das Theater in rot-gold gehalten, sehe ich – nun strahlt es wieder in seinen Ursprungsfarben Blau und Silber.

Fast wortlos verläuft dann auch die Inszenierung „Hagazussa“ der polnischen Puppenspieler und der deutschen Tänzer im Anschluss. Grundlage war der gemeinsame schlesische Sagenschatz, herausgekommen ist nun ein Tanz-Puppenspiel über Hexen und deren Verfolgung im Neiße-Raum – ein Thema, das nicht nur mythisch, sondern auch historisch in der Region wurzelt. So eindeutig wird das auf der Bühne aber nicht sichtbar.

Hinter dichtem Nebel kommt ein Ascheberg zum Vorschein; ein großer Mann kehrt ihn zusammen, während das Pochen eines Herzschlags in ein lautes Wellenrauschen übergeht. Später wechseln sich die Töne mit Windsausen und Zischeln von knisternden Flammen ab. Auch die Tänzer greifen die vier Elemente in ihren erd-, wald- und feuerfarbenen Kleidern auf – wie Naturkräfte zertanzen sie nach und nach die Asche auf dem Boden und bewegen sich fließend zwischen drei Puppen, die sich auf der Bühne platzieren: Links kauert eine kindkleine, weiße, kahlköpfige Frauenfigur, geführt von einer Puppenspielerin mit hellblonder Perücke, das Haar fast bis zum Boden. Wie eine Mutter schützt sie die dünne, nackte Frau mit ihrem dichten Haarvorhang. Rechts und mittig macht sich ein grobschlächtiger, buckliger Bauer breit, Hände groß wie Schaufeln und von gleich drei Puppenspielern an Armen und Füßen bewegt. Hinter ihnen thront erhöht ein braunkuttiger Kleriker mit Helmut-Kohl-Gesicht und harter Gestik – in ihm stecken, für uns unsichtbar, zwei Puppenspieler.

Georg Heym und Gerhart Hauptmann hatten es vor gut hundert Jahren vergleichsweise leicht, von Berlin nach Hirschberg zu kommen: Einmal in den Zug gestiegen, konnten sie die 303 Kilometer bis zum Erholungsort in Schlesien durchfahren, so wie viele Wochenendausflügler es ihnen gleich taten. Beide Schriftsteller wurden hier geboren, Heym in Hirschberg, Hauptmann im Nachbarort Bad Salzbrunn, reisten aber bekanntlich häufig in die Metropole oder lebten dort – Georg Heym kam mit 24 Jahren dann beim Eislaufen in Berlin ums Leben. Schon 1866, da war Heym noch gar nicht geboren, wurde die Bahnstrecke zwischen Hirschberg, Görlitz und Berlin eingeweiht – es muss eine Fahrt geradewegs durch die sanfte schlesische Hügellandschaft und Flussebene gewesen sein, direkt auf das Riesengebirge zu, bis mitten hinein in den Kurort am Berg mit seinen heißen Quellen.

Heute ist das Gebiet durch eine Landesgrenze geteilt: Gleich hinter Görlitz, nur von der Neiße getrennt, beginnt Polen. Hirschberg heißt seit 1945 Jelenia Góra (die wörtliche Übersetzung des Ortsnamens) und ist – von wegen Fortschritt – jetzt deutlich schwieriger erreichbar: Von Berlin mit der Bahn nach Cottbus, weiter mit der ODEG (Ostdeutsche Eisenbahn) nach Görlitz, dort mit dem Taxi über die Grenze nach Zgorzelec, schließlich mit dem Bus nach Jelenia Góra. Für mich wird es ab Görlitz deutlich bequemer: Die Projektkoordinatorin der „Sagenhaften Spurensuche“ nimmt mich, herrlich!, im Dienstwagen mit.

Einfach haben sie es sich am Gerhart-Hauptmann-Theater Görlitz-Zittau nicht gemacht: Bei ihrem Wanderlust-Projekt soll nicht nur die hauseigene Tanzcompany eine gemeinsame Inszenierung mit einem Puppentheater entwickeln, nein, die Partnerwahl fiel auch noch auf ein Theater im schlesischen Teil Polens, so dass nun ein schlesisch-deutsches und ein schlesisch-polnisches Haus zusammenarbeiten. Die Ereignisse im Zweiten Weltkrieg, die zum Teil unterschiedlichen Wahrnehmungen davon auf beiden Seiten, die Vertreibung und neue Grenzsetzung – das sind in Görlitz und auch in Polen nach wie vor Themen mit Sprengkraft. „Hier leben noch Menschen“, erzählt Philipp Bormann, Referent des Generalintendanten am Theater Görlitz, „die nicht an der Neiße spazieren gehen wollen, weil sie dann auf der anderen Seite das Haus sehen, in dem sie aufgewachsen sind.“

Allein die Konflikte um den „Bund der Vertriebenen“ und dessen Stiftung „Zentrum gegen Vertreibungen“ lassen schon erahnen, wie unglücklich verworren hier schmerzhafte Kriegserlebnisse, politische Entscheidungen – und leider auch revisionistisches, national geprägtes, volkstümelndes Denken sind.

Erst einmal zu letzterer Schwierigkeit: Wie geht man als Theater mit diesem Pulverfass um? Und, wichtiger noch, was kann man zur Verständigung beisteuern? Das Görlitzer Theater und das Zdrojowy Teatr Animacji in Jelenia Góra haben sich entschieden, die Probleme Probleme sein zu lassen und sich auf die Gemeinsamkeiten zu konzentrieren. Das mag im ersten Moment ausweichend klingen – so wie Philipp Bormann es erklärt, macht es für mich aber durchaus Sinn: „Man arbeitet sich in dieser Stadt sowieso immer am Thema Schlesien ab – wir wollen das jugendlicher, freundlicher, weniger problembeladen machen, wir möchten den Menschen ein Lächeln ins Gesicht zaubern und aus der gemeinsamen Vergangenheit eine gemeinsame Zukunft machen.“ Die Jugendlichen, sagt Bormann, könnten das Thema bald nicht mehr hören, weil sie es oft nur mit Schwierigkeiten und Schwere verbänden, mit Aufklebern von Adlern auf gelb-weißem Grund einerseits (Symbol der Schlesischen Landsmannschaft) und mit Menschen, die den Trennungsdiskurs endlich beenden wollen, andererseits. Es klingt paradox, aber „Schlesien“, meint Bormann, „ist fast ein Tabubegriff“.

Das, was Görlitz und Jelenia Góra allerdings auf eine ganz unproblematische Weise verbindet, ist der gemeinsame Sagenschatz. Und deshalb, somit wären wir beim Thema, heißt das Projekt „Sagenhafte Spurensuche“. Schlesische Sagen? Da fällt mir nur Rübezahl ein, der launische Berggeist aus dem Riesengebirge.

Wie übt man gemeinsam mit Tänzern und Puppenspielern? Und was, wenn die Tänzer dann auch noch aus Deutschland kommen und die Puppenspieler aus Polen? Tänzerin Steffi Sembdner leitet die Proben für das Projekt “Sagenhafte Spurensuche” zwischen dem Gerhart-Hauptmann-Theater in Görlitz-Zittau und dem Zdrojowy Teatr Animacji in Jelenia Góra, beide Orte liegen in Schlesien. Im Audiointerview erzählt sie von den Herausforderungen bei der Stückentwicklung:

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